Utiliza la pintura, mediante el recurso a la apropiación fotográfica y la representación perceptual, elementos formales como la pincelada, el empaste y la recreación de la volumetría en un intento de ser “la realidad”, o por lo menos imitarla.

La mímesis antes y durante algunos periodos de la modernidad representaba uno y porque no decirlo el concepto que fundamentaba del Arte. Magritte es un ejemplo; como muchos otros, un artista que cuestiona a través de su pintura la idea de representación y el propio medio pictórico, estos procesos y pensamientos son los que nutren su propuesta.

Es Profesora Nacional de Dibujo y Grabado, egresada del Instituto Superior de Enseñanza Santa Ana, de la Ciudad de Buenos Aires.Continuó su formación con diversos profesores y artistas como Luis Felipe Noé,
Sergio Bazán y Manuel Amestoy.
Asistió al taller de cerámica de Alejandro Somaschini. Desde 1993 y hasta la actualidad, ejerce la docencia en Artes Visuales en diferentes niveles. Participa regularmente en exposiciones grupales, y ha realizado exhibiciones individuales en Ecuador, Costa Rica, Miami, Chicago y Buenos Aires.Participó en ferias y exposiciones con las galerías Jacob Karpio (San José, Bs As,
Miami) y DPM Gallery (Guayaquil).
Vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires

Como inicio y fin del proceso creativo me posiciono hipotéticamente en un espejo donde cada uno interpreta o se proyecta a través de manchas, veladuras y demás elementos formales. Al serheredero de la generación de ruptura en México y mi afinidad al muralismo me permite una cercanía desde otro lugar al espectador, la labor comunicativa es la de entablar un puente entre mis cuestionamientos y el representar sentimientos y sensaciones a través de la imagen residual, preocupaciones de índole política e histórica.

¿La historia es en verdad como se pretende? Hay un interés claro en el paisaje, pero sobre todo a observar y hacerlo parte de las sensaciones, en el ejercicio de contraste, veladuras y manchas cuya mezcla hacen visibles atmósferas indagativas: ¿Es, pero no es objeto?

Considero al paisaje algo en si ambiguo, una construcción social a la que pretendemos volver constantemente, de la que sentimos una terrible orfandad. Para mi sin embargo es enfrentarme a la nada, es confrontación y cuestionamiento

¿Hasta dónde llega la fascinación al observarlo o acaso él nos observa a nosotros?

Como migrante mi apreciación del entorno es otra, con diferentes lecturas y nuevamente cuestionamientos, presto mi óptica para que alguien se asome al interior, es bajo esa premisa que mi trabajo se nutre y propone otra manera de ver, tomando diversas disciplinas, lo importante es fabricar una experiencia crítica.

A Castañeda.

Nace en San José de Costa Rica el 12 de mayo de 1962. A los 15 años de edad ingresa a la Casa del Artista y estudia pintura con el artista paisajista Ricardo "Chino Morales Premio Nacional de Pintura. En 1980 es becado por el Colegio de Artes Plásticas de la UACA para realizar estudios artísticos de donde egresa en 1983. Posteriormente ingresa en 1986 a la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Costa Rica y estudia la especialidad de grabado en metal, con los artistas Juan Luís Rodríguez y Rudy Espinoza graduándose con este último en 1993. Para septiembre de 1990 disfruta de una beca por tres meses en el Print Making Workshop de New York experiencia vital para el desarrollo posterior de su obra gráfica y pictórica.

Ha trabajado en la docencia enseñando entre otros lugares en la Universidad del Diseño, el Instituto Creativo, el Colegio de Artes Plásticas, desde 1984 y hasta la fecha labora como profesor de Arte en secundaria estatal. En el año 2008 comienza a laborar en la Escuela Casa del Artista, como profesor de grabado en metal, pintura y dibujo.

ESTUDIOS REALIZADOS 1993 -Bachiller en Artes Plásticas con énfasis en Grabado por la Universidad de Costa Rica. 1990 - Becado en el Print Making Workshop de New York, USA. EXPOSICIONES INDIVIDUALES: (Selección) 2012 - "FLUXUS" pinturas recientes, Museo Calderón Guardia, San José, Costa Rica. 2010 - Paisaje Herido: pinturas recientes, Galería 11-12, Plaza Itskatzú, Octubre, San José, Costa Rica. EXPOSICIONES COLECTIVAS (selección 2005 - 1980): 2005 - Cinco Artistas en la Inauguración del Salón "VIP" del Aeropuerto Internacional Juan Santamaría, Alajuela, Costa Rica. 2004 - "Costa Rica landscapes", Galería del Banco Mundial, Washington D.C. USA. Art. Miami, Galería Ramis Barquet, Miami Convention Center, Florida USA. VI Bienal de Pintura, Cuenca- Ecuador. DISTINCIONES Y PREMIOS 2009 - Tercer Lugar, Bienal del I.C.E., Galería Nacional del Museo de los Niños, San José - Costa Rica. 1999 - Mención de Honor en el I certamen de Naturaleza Muerta: "el Artista a través de los objetos", Galería Nacional del Museo de los Niños, San José de Costa Rica. OBRAS EN COLECCIONES PÚBLICAS • Colección Patrimonial de la Casa Presidencial de Costa Rica. • Colección del Banco Central de Costa Rica. • Colección del Banco Nacional de Costa Rica. • Colección del Banco de Costa Rica. • Colección del Museo de Arte Costarricense. TRABAJOS EN ESPACIOS PÚBLICOS 1989 - Mural alegórico en las tapias del Liceo de Puriscal, destruido casi en su totalidad. San José - Costa Rica. 1984 - Mural en el Palacio Municipalidad de Tibás, San José - Costa Rica.

Sequeira le ha dado a su trabajo un carácter caligráfico como si se tratara del establecimiento de una lengua, y no solo desde su perspectiva como herramienta comunicativa sino con sentido de cosmogonoia… Desde el elemento primario- que no primitivo. Que es la seda que nos habla de cierto tipo de pureza, hasta la resina escultórica, un polímero termoestable maravilla de la ciencia… En la obra de Sequeira todos los elementos nos van remitiendo a un estado de limbo consciente, de inescrutable intermediación, de nexo entre lo natural y lo fantástico, entre lo puro y lo toxico, entre lo sacro y lo profano, lo adentro y lo de afuera.

Este artista costarricense se especializa en simbologías tales como jardines silvestres, el agua o bien ideas abstractas. Pretende un arte simple sin complicaciones. La obra de Gómez ha sido exhibida en Costa Rica, San Francisco, Nueva York, Francia,California,Alemania y México, entre otros. Su obra pertenece a colecciones publicas y privadas tanto  nacionales como internacionales.

Ana Seggiaro nace en Buenos Aires, Argentina, en 1965. De carácter inicialmente pictórica, en sus distintas etapas, su obra fue explorando e incorporando nuevos materiales y medios que complementaron el óleo y el grabado que son su base de origen. Actualmente está desarrollando la técnica del bordado. Egresada en dibujo y grabado de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en 1988, siempre continuó su formación y especialización en diversos talleres y estudios, entre los que se destacan: Taller de pintura con Sergio Bazan, Seminario de arte contemporáneo con Hugo Petrochansky, Taller de litografía con Lucrecia Orloff, Taller de pintura con María Luisa Manassero y Taller de pintura con Kenneth Kemble, entre otros.

La proliferación de la vida, de las vidas consideradas minúsculas, son amenazadas por las fuerzas de la vulnerabilidad. La vida imaginaria es más vulnerable aún, ya que se extingue en cuanto se deja de fantasear en ella.

La diferencia entre el mundo de los humanos y el mundo de los no humanos no es más que una diferencia de tipología externa. El orden hegemónico es el humano, quien por su capacidad racional es capaz de crear categorías jerárquicas; sin embargo, a la vecindad de lo minúsculo estas categorías no podrían ser menos que sueños vacíos de gigantes.

¿Quién le dio permiso a la flor de moverse? ¿Qué derecho de propiedad tiene la termita en la madera? Les corresponde por el simple hecho de existir y estar presentes. Vecinos deseados o indeseados son capaces de tener disfrute de lo que consideramos “nuestro”. Siliézar, con su sensibilidad matérica transmite también su aprecio y diálogo con los mundos posibles que existen en escalas existenciales del otro; el pequeño, el inerte, el imaginado. Su obra, “Secretos familiares” se construye desde la intíma observación que ha tenido de la naturaleza y sus pequeños habitantes desde que era niña, esos diminutos confidentes que hoy ocupan sus obras.

Piece/s of Mind

El título de esta serie juega con el doble sentido en inglés entre “pedazo de mente” y “paz mental”. Ariela Kader la desarrolló durante la pandemia, período que pasó en su país natal, Costa Rica, recorriendo playas y participando en limpiezas comunitarias.

A partir de los desechos plásticos recolectados en Santa Teresa, Kader creó ensamblajes escultóricos semi-monocromáticos, posteriormente fotografiados. Cada pieza respeta la forma y el estado original del plástico encontrado, preservando su huella y su historia.

Las composiciones se inspiran en distintas causas de la contaminación marina y plástica, un problema que también afecta profundamente a Costa Rica. Aunque el país es reconocido mundialmente por su biodiversidad y esfuerzos de conservación, sus ríos y costas se enfrentan al impacto del consumo desmedido de plásticos de un solo uso, que terminan llegando al mar Caribe y al océano Pacífico.

Esta reflexión parte de un dato tan sorprendente como alarmante: cada año, aproximadamente ocho millones de toneladas de plástico ingresan al océano. En este diálogo entre residuo y contemplación, Kader invita a repensar nuestra relación con los materiales desechados y a encontrar, paradójicamente, fragmentos de paz en medio del caos ambiental.

Sobre el ensamblaje escultórico de la ambulancia, titulado “Emergencias”: Este ensamblaje escultórico de fue creado a partir de desechos plásticos recolectados en limpiezas de playa en Barcelona, España. En la base, una pequeña ambulancia de juguete sostiene unos pies de plástico, sobre los cuales se eleva una composición abstracta y colorida construida con fragmentos de desechos encajados como un rompecabezas sin instrucciones.

La obra juega con la ironía: la ambulancia, símbolo de auxilio y urgencia, aparece frágil bajo el peso de un equilibrio precario de residuos. Los pies, descontextualizados de su función original, marcan una presencia humana ausente y fragmentada. La acumulación final de piezas plásticas, aparentemente lúdica y caótica, refleja tanto la abundancia como la imposibilidad de resolver la crisis ambiental con una única fórmula.

El ensamblaje invita a pensar la contaminación plástica como una emergencia global que exige acción inmediata, pero que a la vez se presenta como un rompecabezas complejo, donde ninguna pieza puede ignorarse y cada decisión de consumo se convierte en parte del problema o de la solución.

Su obra es la construcción de una poética fotográfica, Y como toda poética intenta subvertir los códigos y convenciones del lenguaje que la expresa. La técnica que usa podría llamarse “Toma directa de acción” o “Foto performance lumínica”: En la oscuridad ilumina la escena manualmente, creando con la luz un espacio de subjetividad que imprime relatos en la imagen. El uso de la luz y el color tienen un sentido plástico y conceptual. Nada puede conocerse sin las luces y las sombras. Los contrastes entre los fulgurantes brillos y la oscuridad acentúan el misterio de lo humano, lo bello, y a veces lo terrible

Andriy Halashyn nació en Ucrania, visito Costa Rica por primera vez con su padre, un reconocido artista de vidrio soplado. Una vez en Costa Rica, se enamoro y nunca más miro atrás, haciendo de este país su casa por los últimos 15 años. Hoy en día Halashyn, es una sensación global, exhibiendo en prestigiosas galerías a través del mundo. Sus pinturas distopicas tienen un toque rico y cosmopolita que hacen referencia a la alta cultura popular, la moda y la publicidad. Su uso de oleos al representar tienen cualidades gráficas y altamente saturadas, al igual que composiciones de tipo collage que yuxtaponen lo elegante con la dura realidad.

Aunque el artista guatemalteco Ángel Poyón se aleja de la típica ejecución artística propia de sus raíces indígenas, su obra explora profundamente los temas de identidad y asimilación.

Artista. Nació en 1972 en Buenos Aires, Argentina. Reside en Argentina.

"Memorias de Fuego" es mi propuesta más reciente, un conjunto de más de 300 piezas de cerámica escultórica elaboradas a mano con arcillas costarricenses. La obra consiste en una serie de mini ladrillos que, al unirse, forman un collage de rostros, emociones y fragmentos, simbolizando la diversidad social. A través de la técnica de vitrificación y el modelado manual, cada pieza es única e irrepetible, reflejando la singularidad de cada individuo.

Este muro en miniatura no es solo una pared, sino una representación de la sociedad costarricense y un reflejo de la humanidad. Un espacio donde la abundancia y la multiplicidad coexisten en armonía. Es como un gran camino de terracota; donde las piezas buscan la unificación entre la representación de la figura, lo matérico y lo abstracto. La obra fusiona el conocimiento científico de la cerámica con la expresión artística, modelando cada rostro individualmente para emular la apariencia mate y seca de la tierra, logrando así un efecto arquitectónico.

Las figuras representadas en la obra son de todas las edades y etnias, invitando al espectador a una reflexión y un diálogo intercultural. El color y la forma de los relieves resaltan nuestras diferencias, buscando fomentar la tolerancia, el respeto y la solidaridad como valores esenciales para una mejor convivencia social. "Memorias de Fuego" es un recordatorio de que el equilibrio social surge de la diversidad, y como el proteger y coexistir son claves para el desarrollo común de las nuevas generaciones.

Uruguayo, de fama internacional. Ha vivido en Santiago de Compostela, España,Lund, Suecia y en Moravia, Costa Rica. Estudió en la Grafikskolan Forum, Malmo, en Suecia, y ha trabajado como profesor de la Vestland's Art Academy de Bergen, Noruega. Ha presentado exposiciones individuales en museos y galerías en Costa Rica, Uruguay, Chile, Inglaterra, Suecia, España, Estados Unidos, Noruega, Alemania, Ecuador, Francia y Cuba. Plural en sus propuestas y de un lenguaje complejo que se traduce en pintura, objeto, vídeos, fotografía y grabado.

Esta serie de obras no solo habla de una proximidad práctica —entre el objeto de estudio y el objeto pintado— sino también del carácter simbólico acerca de lo que se genera cuando nos sentimos próximos de los demás, de las demás cosas que nos rodean.

Pinto el monte o el jardín más inmediato al lugar donde vivo: lo local desde lo local.

Artista autodidacta que a temprana edad inició su participación en exposiciones colectivas e individuales, dándose a conocer en los círculos artísticos más activos de América. En 1962 fue “descubierto” por el Grupo 8. La obra de Poveda se ha caracterizado por una constante innovación y la búsqueda de nuevas formas de expresión. Inició su carrera con el dibujo, en blanco y negro, centrado en la figura humana que se fue estilizando a trazos de aves en vuelo y nubes. Desde 1975 su obra se fue materializando con soportes en madera, cartón, yeso y el uso de resina, plásticos y metales en temas de vegetación y paisajes. Como lo indica Poveda, “la investigación es parte intrínseca de mi trabajo artístico y esto, sin duda, me causa gran placer”.

Cecilia Paredes es una artista multimedia quien utiliza el perfomance como elemento base de creación y experiencia, utilizando su cuerpo como herramienta y como agente detonante para la aprehensión del mundo que le rodea.El uso extensivo de su cuerpo en la práctica artística le ha permitido desarrollar una sensibilidad hacia texturas, materiales y espacios; esta sensibilidad se refleja en gran parte de sus obras, las cuales utilizan materiales textiles que se funden con su cuerpo. Más allá del efectismo de la fotografía, el cual requiere un amplio conocimiento técnico, sus obras logran conglomerar lo natural y lo artificial, la naturalidad del cuerpo y lo artificial de los textiles; así como el constante uso de aluciones a la naturaleza en su obra; de esta manera, vestido, cuerpo y espacio generan un solo ente.

Paredes vive y trabaja ente Pennsylvania, Costa Rica y Perú.Sus obras se han exuesto en la Bienal de la Habana, laBienal de Venecia, así como en mùltiples expociones colectivas en USA, España, Italia, Rusia, Perú y Centroamérica.

La serie Ecos de un jardín de Gómez Sancho se distingue por la exploración de la impresión 3D y la incorporación de elementos naturales a partir de nuevas tecnologías en la escultura, para crear un lenguaje figurativo propio. Su obra representa de manera única guras en movimiento e interacción, explorando nuevas formas de habitar la realidad.

Su práctica invita a imaginar mundos alternos e inexistentes como espacios de transformación, donde se ensayan nuevas formas de habitar la realidad. A través de un universo simbólico, espiritual y emocional, indaga cómo lo humano puede recongurarse más allá del yo. Cada pieza actúa como una fotografía detenida en un plano tridimensional, en la que el espectador descubre narrativas tanto íntimas como colectivas.

Diego Linares dinamiza la relación entre fotografía, diseño, imagen en los medios de masas e imaginario cibernético, ayudándonos a pensar de nuevo cuales son los mecanismos que construyen una imagen. Y como, teniendo en cuenta el parámetro modernista, fotografía y diseño ,imagen en los mismos medios, que dio nacimiento a las preguntas sobre la producción, representación y originalidad. Linares engarza su discurso con el tiempo presente, en el que la imagen digital nos exige plantear el status de la imagen en forma distinta.

Esteban Fernández es un artista nacional reconocido por su abstracción. Utiliza colores en su estado puro, pintando libremente formas y recorridos visuales que son a firma de su estilo. Fernández también por el uso de texturas, experimentando con materiales varios.

Gran parte de la obra de Emilia Cantor está basada en un colorismo bien entendido y sostenido en una práctica constante. Un dominio técnico cultivado a lo largo de los años que es la estructura característica que sostiene cada exploración pictórica. Un trazo firme, organización de la luz y precisión con que los valores sostienen la composición.

En estas piezas, el negro y el neón no aparecen como opuestos, sino como elementos que se complementan. El encuentro no busca un equilibrio inmóvil, sino una fricción continua: la oscuridad ilumina y la luz oscurece.

En el trasfondo de estas obras se despliega un universo propio: un mundo paralelo que no obedece a coordenadas de tiempo ni de espacio reconocibles. Es un territorio autónomo, en el que las reglas de lo cotidiano se disuelven para dar paso a realidades alternativas.

Allí habitan entidades mágicas y criaturas desconocidas, formas que parecen surgir de una memoria colectiva pero que no pertenecen a ningún imaginario establecido. Son presencias que cuestionan nuestra noción de lo real y lo posible, que invitan a aceptar la extrañeza como parte de la experiencia estética.

Artista italo-costarricense inspirada por la biodiversidad de Costa Rica. A través del expresionismo abstracto, transformaba la riqueza natural del país —volcanes, bosques, agua— en obras que impactan visual y emocionalmente. Sus cuadros al óleo, grabados y tapices son el resultado de una trayectoria artística que comenzó en la Facultad de Bellas Artes de la UCR, continuó en Nueva York y se ha nutrido de talleres con reconocidos artistas nacionales e internacionales. Ha expuesto su trabajo en más de 100 exhibiciones en América, Europa y Asia, y en 2000 fue premiada con la medalla de oro en Roma, Italia. Cada obra es un homenaje a la naturaleza y una pieza única para decorar hogares, oficinas o regalar con significado.

Emmanuel Rodríguez Chaves es un artista visual que se interesa en reflexionar sobre el uso e interpretación de imágenes a través de una noción expandida de pintura y la creación de instalaciones que él denomina "escenarios". Su obra emplea imágenes encontradas que posteriormente manipula para cuestionar el uso tradicional del archivo como dispositivo de control.

Estas pinturas forman parte de una serie más amplia que el artista denomina Harbingers. Las obras surgen de la noción especulativa de que, al reutilizar y reconfigurar imágenes tomadas del desbordamiento actual de material visual y referencias históricas —e integrarlas en instalaciones que el artista llama escenarios—, dichas imágenes, junto con otros objetos, pueden funcionar como mecanismos para construir o reconstruir nuevas narrativas y modos alternativos de comprender el mundo.

Emmanuel completó su doctorado en la University of Melbourne, Australia, realizó estudios en la Kunsthochschule Berlin, Alemania y se graduó en la carrera de Bachillerato y Licenciatura en Artes Plásticas con énfasis en Pintura en la Universidad de Costa Rica.

Desde mediados de 2023, junto con los artistas Montserrat Mesalles, Oriana Capra y Luciano Goizueta, Emmanuel fundó Abra Espacio. Un proyecto de arte independiente en San José, Costa Rica. Ubicado en el icónico edificio: Condominio Las Américas.

La obra de Emmanuel forma parte de colecciones privadas y públicas en Costa Rica, Guatemala, Alemania, Estados Unidos, Australia y República Checa.

Artista visual española - costarricense, especializada en pintura, grabado y arteterapia, licenciada en pintura y grabado de la Universidad de Costa Rica. Ha realizado 48 exposiciones individuales 88 exposiciones Colectivas y concursos de arte y sus obras forman parte de colecciones privadas y públicas en países como Reino Unido, Irlanda, España, Alemania, Holanda, Australia , y EEUU. Paralelo a realizar su obra, se ha dedicado a la enseñanza de arte y arteterapia de manera privada y para empresas. Ha sido premiada en varias ocaciones y ha participado en encuentros internacionales de artistas.

Desde la década de los 70s Fabio Herrera ha mantenido un inquebrantable trabajo, siendo uno de los artistas nacionales con mayor constancia de trabajo y diversidad en su trayectoria. Los trabajos de Fabio Herrera, los cuales parten de sus emblemáticas acuarelas al incursionar en la pintura, han tomado distantitas formas y contextos los cuales se convierten en modificadores directos de su visión del mundo.

En la obra centroamericana, Herrera utiliza el lenguaje abstracto que le caracteriza si que ello signifique un acto de refugio en formulas cromáticas o técnicas retoricas, al contrario, en esta ocasión Herrera se distancia de los colores saturados y formas organizas utilizadas en obras recientes y se aboca a realizar una obra en la cual las formas regulares se complementan junto a los colores que al desplazarse sobre lienzo se desvanecen y se fugan mutuamente. Esta particularidad de reinventarse es una de las cualidades del artista, quien ante todo acto pictórico agigante la carrera que ha desarrollado.

La pintura de Fabrizio Arrieta se inscribe dentro de la cultura visual contemporánea, apoyándose en la reinterpretación, reutilización y postproducción de las imágenes que maneja.

Su lectura propone una revisión de la historia de la tradición pictórica occidental como un intento de situar la pintura en un momento y contexto determinados. Su producción parte del principio de la apropiación, por la cual se crean los procesos mediante los cuales la imagen adquiere su codificación social.

En conjunto, el acto de pintar se concibe como un acontecimiento permeable y multidireccional, reoejo de la incesante actividad mediática y artística de nuestra época.

El desterrado vive simultáneamente en varios niveles de temporalidad, presentes y pretéritos, sin distinguirlos siempre bien. Conte, como un sujeto desposeedor de territorios o tiempos estables, ha sabido encontrar su hogar en su que hacer artístico. Se coloca frente al lienzo, como si estuviera frente a la fachada de su hogar o como si mirara un álbum fotográfico familiar, la tela y sus herramientas se convierten en sus dimensiones temporales espaciales. No nos extraña entonces (aunque si nos sorprende) que sea maestro de las textura, que sea reconocido tanto en Nueva York como en Europa y que haya influenciado en las escenas artísticas de nuestra región.

Nacido en Haifa, Israel en 1968, Idan Zareski ha tenido un poco convencional pero sorpresivo viaje. A muy temprana edad fue inmerso en múltiples culturas y ha vivido una vida cosmopolita en África, Europa, Estados Unidos y Latino América. A los 39 años decidió alejarse de todo para seguir su pasión, la escultura. Idan rapidamente gano reconocimiento internacional con su Big Foot Family y sus exhibiciones permanentes donde  esculturas monumentales son reconocidas  mundialmente.

Las obras escultóricas de Ilse Ortiz se categorizan por tomar como referencia los modelos cósmicos prehispánicos y las descripciones geométricas de narraciones de la Creación. Los materiales metálicos de sus obras le permiten encontrar un efecto que ella considera “desdoblamiento”, creando múltiples dimensiones en el objeto escultórico.

Irina Rosenfeldt es una artista argentina que se caracteriza por el uso de colores saturados y altos contrastes. Sus obras poseen una energía barroca llena de movimientos. Irina es una representante de como el arte abstracto triunfa y se mantiene vigente en nuestros días.

Nacido y criado en Argentina, Javier Rossel ha recopilado todas las apariciones milagrosas de sus sueños y las ha plasmado en su encantadora colección de retratos. Su obra nos permite contemplar la belleza del Renacimiento y nuestra época moderna con toda su controversia. Su exquisito trabajo enciende una luz que ilumina las profundidades de la mente y te transporta a un mundo divino que parece tan lejano y, sin embargo, tan personal.

Con más de dos décadas dedicado exclusivamente a la fotografía, el trabajo de Jose Díaz se ha desarrollado en dos áreas fundamentales: una como fotorreportero para los medios y otra con su obra más incidental de carácter artístico. ‘Sagrados y Salvajes’ reúne dos series inéditas del autor: Cámara Laica y Tender una trampa. Camara Laica propone el encuentro y disfrute de la religiosidad popular costarricense que no es muy distinta cultural y simbólicamente a la del resto de Latinoamérica. La distinción es otra, el tratamiento que de la misma hace Jose Díaz a través de su ojo y de su humor, no sin respeto, pero si cargada de ironía. Tender una Trampa, retoma muchos de los elementos kitsch que afloran en la serie religiosa, por el uso de los paños que se consiguen en los mercados populares, esta vez con estampados de animales salvajes. Lo que cambia es quizas la intención de Díaz para hablar de otro de los mitos alrededor de la visión de Costa Rica: la naturaleza.

A través de los motivos antropomorfos, las esculturas de José Montero se enmarcan entre lo popular y la tradición; se presentan como un hilo que entreteje la artesanía y el arte, así como lo local y lo global; conceptos que resultan antagónicos, pero que se necesitan el uno al otro para su existencia. Esta unión constituye una dialéctica entre el ser humano y su entorno y genera una identidad y un sentimiento de arraigo por medio de las tradiciones, aunque estén permeadas por hechos históricos.

Con más de 20 años de trayectoria como Artista Visual; obtuvo el Máster en Artes Visuales de la UNAM, México, y fue director de la Escuela de Arte y Comunicación Visual de la UNA entre los años 2013 y 2017, y es académico en esta escuela desde 2006.

 Este artista cuenta con más de 20 exposiciones individuales; entre las que podemos mencionar; Sin-Táctica en el Museo de Arte Costarricense(2004) y Serie Sujetos en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá(2000). Entre sus más de 90 exposiciones colectivas; podemos mencionar ¿Qué Centroamérica? Una región a debate en el MADC en Costa Rica (2006).

ADENTRO/AFUERA Esa supuesta nada en el MAC San José(2006) Cuidado ¡Pinta! o (de)

Construcciones Pictóricas. MADC, San José.(2004). III Bienal del Caribe y Centro América,

Museo de Arte Contemporáneo de República Dominicana (1996). Entre sus variados

premios podemos mencionar que fue ganador de la III Bienal del Caribe y Centro América

de 1996 y recibió la única Mención Honorífica de la VI Bienal de Pintura, Salón Abierto,

Lachner y Sáenz, Costa Rica en 1994. Su obra forma parte importantes colecciones

institucionales como la del MADC, MAC, Museo del Banco Central entre otros y entre las

privadas podemos mencionar, HOLCIM Costa Rica, Banco Continental Panamá, Four

Seasons Resort, Alimentos Jack´s de Centroamérica, Teor/Ética Fundación, Costa Rica.

Artista Costarricense. Licenciado en Artes Plásticas con énfasis en Pintura por la Universidad de Costa Rica. Ha expuesto individualmente en La Galería Alternativa, “Lo simultáneo en el bodegón” (2012). En la Alianza Francesa, “De lo crudo a lo cocido. Estudios sobre fotografía y pintura” (2011), así como en el Museo Islita (2012). Ha participado en exposiciones colectivas internacionales en EE.UU, Italia y Brasil: “34th Bradley International Print and Drawing Exhibition”, Universidad de Bradley, EE.UU (2013), la “XI Biennale Internazionale per l’Incisione”, Museo dell’Incisione, Italia (2013) y “Princípios Flexor” en Galería Gramatura, Brasil (2012)

Entre otros reconocimientos, recibe el Premio Nacional Aquileo J. Echeverría en Artes Plásticas (2014), junto al artista Adrián Flores Sancho, por el proyecto Materia Primera. También el Premio Áncora en Artes Visuales Bidimensionales del Periódico La Nación (2013).

El interés de Rosenblatt por el arte óptico (OP Art) es más que evidente. Y aunque en algún momento pareciera hacerle guiños a la propuesta original de los artistas ópticos (la ilusión de crear espacios tridimensionales engañando al ojo por medio del color y las líneas) rápidamente resulta aparente que sus pinturas en realidad tienen una textura visual que podríamos calificar de hipnótica, una especie de “mantra visual” si se me permite el término. Artistas contemporáneos como Peter Coger o Olaf Aliasen guardan una similitud de intereses con la propuesta pictórica de Rosenblatt.  La luz y la representación de la ilusión lumínica vendrían a ser los otros componentes importantes en esta propuesta pictórica, y por ahí comparte con Le Parc una obsesión con la idea de lo luminoso. Más sin tremendismos ni notas pesimistas-todo lo contrario-la obra de Rosenblatt está cargada de sutiles ironías, sorpresas pequeñitas que va dejando para que el espectador las descubra y deguste lentamente.

La obra textil de Katrin Aason se caracteriza por su aproximación a la abstracción geométrica. Esta pieza, que forma parte de la serie Más allá del Índigo, exhibida en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, está confeccionada en manta cruda teñida con pigmentos naturales —como aguacate, cuculmeca, añil, entre otros—, lo que revela un compromiso con prácticas sostenibles y saberes tradicionales.

El proceso creativo de Aason es tanto intuitivo como espiritual. Emplea técnicas ancestrales que ha aprendido a lo largo de diversos viajes, con el propósito de alcanzar un dominio profundo sobre la materia y el pigmento. Sus diseños, cada vez más complejos, surgen a partir de una línea o gura inicial que va cobrando vida propia hasta llegar a una composición final. A partir de esta estructura, comienza el meticuloso entrelazado de la obra.

Sus piezas no poseen títulos convencionales, sino códigos, con la intención de no condicionar la interpretación del espectador. De este modo, invita a una experiencia contemplativa más libre, donde cada persona pueda descubrir nuevos patrones, formas o elementos dentro de la obra.

Laura Quesada es artista visual y escritora nacida en Argentina. Vive y trabaja en Buenos Aires. Estudió dramaturgia con Ariel Barchilón, Artes de la Escritura en la Universidad Nacional de las Artes, y concurrió al taller de poesía de Cecilia Pavón.

La escritura la acercó a la escenografía y a participar del taller de Escenografía del Arq. Gastón Breyer.

La escenografía la guió hacia el dibujo y la pintura en la Asociación Estímulo de Bellas Artes, posteriormente con Juan Doffo, y en el taller de pintura y clínica de obra de Sergio Bazán.

Fue guionista de textos humorísticos para teatro y tv, diseñadora, y docente. Actualmente forma parte del proyecto editorial Ronda.

Seleccionada en 2016 en el 105 Salón Nacional de Artes Visuales Palais de Glace, Premio Bancor, Banco de Córdoba, artista invitada en la Feria de Arte Valoarte, Costa Rica en 2015-2016

Su trabajo es una reflexión de la sociedad y una critica a los problemas que esta genera. Lluis expresa las dos velocidades en las cuales la sociedad progresa, el imbalance vertiginoso en el mundo, opulencia y pobreza, cultura e ignorancia. Por el otro lado, muestra aislamiento, consumo masivo, alienación y la diaria perdida de la identidad.

Luciano Goizueta explora la memoria, el tiempo y la transformación a través de un enfoque multidisciplinario que incluye pintura, dibujo, fotografía e instalación. Su obra reflexiona sobre la entropía del proceso creativo, revisitando temas pasados para revelar la naturaleza cambiante tanto del sujeto como del entorno. Con frecuencia centra su práctica pictórica en el propio espacio de creación: su estudio se convierte en sujeto y umbral dentro de su trabajo.

Luciano tiene formación en arquitectura, música y artes gráficas por la Universidad de Costa Rica. Desde 2004 ha expuesto ampliamente en América Latina, Europa y Norteamérica, presentándose en galerías y ferias de arte como ArtParis en Francia, Shanghai ArtFair en China, ArteBa en Argentina, PINTA en Nueva York y SCOPE Basel en Suiza. Entre sus exposiciones individuales más destacadas se encuentran Umbral en La Galería Rebelde (Guatemala), Echo Chamber en Lokstallet Strömstad (Suecia), Shuffle en Lyle O. Reitzel Gallery (Miami), Pillowbook en Diablo Rosso (Panamá), Time is All You Need (Santo Domingo) y Metadata en el Museo de Arte Costarricense. Su obra sigue teniendo resonancia internacional, explorando temas de espacio, percepción y huellas de la memoria.

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Luciano Goizueta explores memory, time, and transformation

through a multidisciplinary approach that includes painting,

drawing, photography and installation. His work reflects on the

entropy of the creative process, revisiting past themes to reveal the evolving nature of both subject and environment. He often centers his painting practice around the space of creation itself—his studio becomes both a subject and a threshold in his work.

Luciano has a background in architecture, music, and graphic arts from the University of Costa Rica. Since 2004, he’s exhibited extensively across Latin America, Europe, and North

America—showcasing in galleries and art fairs such as ArtParis in France, Shanghai ArtFair in china, ArteBa in Argentina, PINTA in New York, and SCOPE Basel in Switzerland. Notable solo exhibitions include Umbral at La Galería Rebelde in Guatemala, Echo Chamber at Lokstallet Strömstad in Sweden, Shuffle at Lyle O. Reitzel Gallery (Miami), Pillowbook at Diablo Rosso (Panama), Time is All You Need (Santo Domingo), and Metadata at the museum of Costarrican Art.

His work continues to resonate internationally, exploring themes of space, perception, and traces of memory.

Lucía Madriz utiliza materiales naturales como semillas, tierra y madera para explorar nuestra relación con la naturaleza, la agricultura y nuestro papel —el de los seres humanos— en la actual crisis medioambiental.

Su obra se ha expuesto en Framer Framed Noord, en Ámsterdam; en Casa América, en Madrid; en el Palais de Tokyo y en la COP21, en París; el Museo de Arte y Diseño (MAD) y la Pratt Manhattan Gallery de Nueva York; y en diversas bienales, como la 55.ª Bienal de Venecia, la 8.ª Bienal del Mercosur, la Bienal del Fin del Mundo de Ushuaia (Argentina), la I Bienal de Cartagena, la X Bienal Centroamericana, la XXXI Bienal de Pontevedra (España) y la X Bienal de La Habana; en el Centro Cultural de España en Centroamérica, México y Miami; el Museo de Arte Contemporáneo y Diseño (MADC), la Fundación TEOR/éTica y Despacio en San José, Costa Rica, entre otros espacios.

Trabaja en Alemania y Costa Rica.

Registro de registros” es un proyecto fotográfico y de ensamblado en el que he venido trabajando durante los últimos siete años. Con el mismo exploro cómo las cajas de registro de telecomunicaciones ubicadas en San José, se convierten en símbolos poderosos, que reflejan los usos y la transformación de la ciudad a lo largo del tiempo. Inicialmente concebidas como dispositivos funcionales, estas cajas no solo cumplen su propósito técnico, sino que también se convierten en espacios de uso público, donde convergen mensajes, anuncios y comunicaciones informales.

Artista guatemalteco nacido en 1959, actualmente vive y trabaja en Guatemala tanto en diseño industrial y gráfico como en fotografía. Su trabajo artístico consiste en la fotografía de objetos, los cuales han sido descritos como una exploración de carácter arqueológico del espacio sociocultural de la contemporaneidad. Ponce ha expuesto individual y colectivamente en El Salvador, Costa Rica, Estados Unidos, Panamá, Argentina y en su natal Guatemala. Asimismo, su obra forma parte de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno “Carlos Mérida de Guatemala, la Bibliotèque Nationale de Francia y el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica. Gracias a su trabajo Ponce fue el ganador del Primer Premio en la Subasta de Arte Latinoamericano SUMARTE del Museo de Arte de El Salvador.

El barroquismo de las obras de Lydia Dona se construye a partir del entrecruzamiento y el palimpsesto entre diferentes elementos visuales que provienen de los campos de la tecnología, la filosofía y la política. Así, sus obras utilizan planos e instrucciones de” uso de electrodomésticos” como referencia para iniciar sus composiciones para luego agregar a la canvas mapeos, yuxtaposición de colores y líneas que asemejan territorialidad; el resultado es un paisaje que ella califica como “biomorfico ̈, un escenario que es tanto tecnológico como humano. Las obras de Dona incitan al espectador a imaginar los posibles mundos que sus obras representan, al hacerlos se nota que sus pinturas no se alejan del mundo en el que ahora vivimos, en los cuales la tecnología dibuja mapas, regula relaciones humanas, y se convierte en un organismo de autonomía propia. Dona reside y trabaja en Estados Unidos, donde es una de las representantes de la post-abstracción. Sus obras se han expuesto nacional e internacionalmente, y se han utilizado por parte de escritores como referencia para múltiples textos teóricos y filosóficos.

Su obra pictórica, es un homenaje contemporáneo al grabado botánico antiguo, que le suma tamaño, y se adapta al soporte de la tela con colores vivos y planos, jerarquizando aquellos dibujos minuciosos y de estudio. Las obras más recientes, dan un vuelco abstracto y se vincula con la cerámica, que es un soporte que esta explorando hace poco tiempo. Participa activamente en exposiciones colectivas e individuales. Su obra forma parte de colecciones particulares en Barcelona, Florencia, Madrid, Milán, New York y Buenos Aires.

La obra de Maffioli esta indiscutiblemente caracterizada por el uso íntimo del color y la textura, sin embargo estos elementos también podrían describir la cultura costarricense; por lo que la obra de Maffioli no es solo un diálogo interno consigo mismo, sino también un diálogo con los paisajes, las ciudades, y la forma de la psiquis de nuestra región.A travéz de los años la abstracción de Maffioli ha explorado temáticas que van desde la naturaleza hasta los paisajes digitales; estas exploramientos y divertimientos han desarrollado en el artista un lenguaje visual y pictórico lejano a agotarse, y que si embargo mantiene una coherencia tal que hace reconocible la mano del autor. La constante práctica del artista le ha dado el mérito de haber sido un miembro imprescindible de Bocaracá, ser el ganador de múltiples reconocimientos, incluido entre ellos el premio Aquileo Echeverría, así como una larga lista de exposiciones nacionales e internacionales.

Pintor y video instalador. Egresado como licenciado en Artes Plásticas, Universidad de Costa Rica. Ha sido becario del Goethe Instituto de Alemania. Profesor de Arte en la Universidad de Costa Rica en la Escuela de Bellas Artes, Arquitectura y la Universidad Veritas. Doctorado en Mediación Pedagógica de la Universidad La Salle.

Ha sido invitado en dos ocasiones a la Bienal de la Habana-Cuba. En el año 2001 ganó el BIENARTE CR. En 1993 1er Lugar Salón Nacional de Pintura Museo de Arte Costarricense,1993 Premio Nacional Aquileo J. Echeverría en Pintura. Se le considera un pionero en el área de la video instalación y ha realizado varias exposiciones internacionales y nacionales.

Max Leiva tiene mas de 15 años de dedicarse plenamente a la escultura, aunque bien puede decirse que su habilidad se empezó a desarrollar cuando moldeaba prótesis dentales de yeso en el taller dental de su padre. Su acercamiento profesional, sin embargo, y sobre todo su identidad escultórica, se revela al descubrir la figuración prehispánica mayal, enfáticamente se intereso en los rasgos de la frente lanzada hacia atrás propias de los personajes de estas esculturas.

Bajo un carácter disciplinado y bajo en constante estudio de referencias de grandes maestros de la historia de la escultura. Aso como la observación perspicaz del detalle escultórico. Leiva ha creado a través de los años su propia identidad técnica, la cual no niega la deuda con referencias, mas bien sincroniza y las potencia.

Nace en San José, Costa Rica. Desde su infancia siente una gran atracción por la fotografía naturalista, la cual practíca intuitivamente durante su adolescencia explorando los Parques Nacionales de su país.

En 1984 obtiene su Licenciatura en Artes Gráficas en la Universidad de Costa Rica.

Continúa ampliando su experiencia artística, realizando exposiciones individuales y colectivas de fotografía dentro y fuera del país.

Combinando su afición por la naturaleza imparte varios cursos y talleres de Fotografía Naturalista.

Espinar es uno de esos personajes cuyas historias corren sin obstáculos desde su remembranza hasta el relato hablado y el dibujo; un contador de anécdotas nato cuyas experiencias son tan abundantes y extravagantes que requieren una salida de emergencia de su inquieta mente para ser compartidas a otros. La obra de Espinar en este sentido es tanto personal como social; nace de sus experiencias, pero están hechas para ser contadas, es una obra sociable, una conversación plástica que invita a la fiesta y a la celebración. Tanto el arte como la fiesta invitan a demorarnos, son un espacio temporal simultáneo en el cual las personas se distancian de la temporalidad cronométrica del trabajo y el horario; la fiesta es suspensión de ese tiempo social; ocurre cuando se comparte el café, la comida, el trago. Tanto la obra de arte como la fiesta son organismos vivos que tienen su propio tiempo, nos demoramos, nos detenemos ante ella. Así es la obra de Espinar, es el demorarse con aquel que se comparte mientras se intercambian relatos y pláticas; es el “uy se me pasó la hora” en contemplación y goce.

Radicada en el Valle del General, esta artista costarricense se favorece de la exuberancia natural de la zona, para desarrollar su trabajo artístico.

Además es la fundadora de la Terraza del Artista, la primera galería de arte de la zona y un espacio donde se imparten clases de pintura bajo la modalidad de cursos libres en las técnicas de acrílico, óleo, acuarela y dibujo artístico.

Su obra cargada de alegría invita a nuestra limitada percepción a escudriñar entre colores, formas y texturas, flores que muchas veces vemos y tantas aves que la visitan para ser contempladas. Una invitación al poder del imaginario y del significado, a la alegría y el gozo, una celebración a la vida desde la visión artística de su creadora.

Miguel Rojas

Nayubel Chavarria  nace en Costa Rica en 1968.  Estudia publicidad y ejerce en esta carrera  como Directora Creativa de importantes nombres comerciales,  para luego migrar a la planeación estratégica de marcas. 

​En el año 2018 se tropieza con el arte de una forma espontánea  que la sedujo y atrapó para siempre. Desde este encuentro no para de pintar, estudiar, leer  y explorar con diversas técnicas. Poco a poco descubre en el acrílico y la acuarela sus medios favoritos de expresión, sin dejar la constante  búsqueda de nuevas formas que manifiestan su inquieta personalidad.

​Su obra es definida como arte abstracto. Encuentra en el juego infinito de la forma y el color la manera de expresar la convivencia humana. “ No importa que tan diferentes seamos , cuando nos unimos en un fin común, el resultado es armonioso”

​Su paleta de color es fresca, divertida  y sutil , con un fuerte y reconocible carácter.

​Ha realizado varias exposiciones colectivas e intervenciones exteriores en comunidades . 

Estas obras son parte de la serie que tiene como título Hiperrealidad, término filosófico que se manifiesta en una sociedad saturada de medios de comunicación y tecnología, que describe un estado en el que la distinción entre la realidad y sus representaciones se desvanece, donde el objeto pierde su valor en contra del símbolo, dónde los objetos que representan nuestra cultura son sustituidos por nuevos alter ego, representados dentro de pantallas, como el comic, caricaturas, personajes pop; por lo tanto el artista usa la estética de Glitch, para representar esa convivencia de dos mundos el real tangible y la simulación representadas dentro de lo digital.

De una manera descriptiva en las obras se usan imágenes que sustenta la historia del ser humano cohabitando al mismo tiempo con toda la iconografía de la cultura visual de la época, donde convergen distintos tipos de códigos, que al mismo tiempo dan " Resultando no previstos" (el Glich o Bug); donde logra mostrar una cadena de mutilaciones, conglomerados y transferencias simbólicas.

Priscilla Monge aparece en escena artística nacional e internacional en la década de los noventa como una de las principales representantes centroamericanas de la vertiente artística del postmodernismo. Sus obras toman postura en la cual el género, las relaciones interpersonales y los anhelos individuales se encuentran en un constante diálogo con las reglas y normas de la sociedad; reflejando así las ironías y los conflictos de nuestra colectividad. Si bien su carrera artística empieza utilizando el medio de la pintura, pronto descubre en el uso de objetos y en la fotografía una lógica interna que le permite extender sus motivaciones. La fotografía, especialmente desde el año 2000, ha sido una de sus predilectas formas de expresión, ya que le permite escenificar “simulacros” de eventos cotidianos teñidos tanto de melancolía como de humor; extrañamiento que ofrece al espectador un signo de interrogación hacia las complejidades que están detrás de sus fotografías; las razones y las causas de su quehacer. El amplio reconocimiento de Monge le ha llevado ha exponer en múltiples bienales alrededor del mundo, formando parte del grupo de artistas que representan la escena artística contemporánea de nuestro país.

Paulina Ortiz es una artista y diseñadora de textiles que ha formado su carrera en Costa Rica, el país en el cual creció. Obtuvo su bachillerato en Bellas Artes con énfasis en textiles en California College of the Arts, y su licenciatura de la Universidad Nacional de Costa Rica., donde actualmente enseña arte de textiles y diseño. Su experiencia profesional incluye consultoría de textiles, arte y diseño de interiores, arquitectura y coleccionistas. Ha exhibido y dado charlas internacionales, su trabajo ha sido publicado en mas de 65 libros y revistas internacionales como Textile Forum y  Fiberarts and Embroidery.

En su trabajo a través de elementos formales como el color, la textura y la pincelada, Anaskin construye un canal que ayuda a comprender su identidad, aferrándose a su grupo como la familia, define el lugar o el no lugar creado por cuentos, historias y recuerdos fantásticos. Un análisis personal sobre la migración, una doble procedencia y ser y no ser parte de un espacio y una tradición simbólica y cultura diferida.

Al comprometernos con la idea de que el cuerpo es una vasija para guardar temporalmente esa cosa inalterable a la que se le da el nombre de sustancia, alma o espíritu, el valor del cuerpo queda definido por su capacidad de contener algo importante, pero en sí mismo, es anodino.

En su condición contenedora y finita, podríamos proponer a la caja como símil del cuerpo, donde lo merecedor de atención es lo que contiene. Sin embargo, Priscilla González se concentra en el recipiente, poniendo a la caja de cartón como protagonista. Observa las marcas que dan cuenta de su recorrido y que vuelven singulares a estos objetos fabricados industrialmente, para luego reproducirlas artesanalmente, en un ejercicio de reconocimiento de la belleza en lo material y en lo imperfecto.

Con cerámica y pasta de papel, nos vuelve a presentar al cartón fuera de su hábito, y al barro fuera de su cuenco. La cerámica, técnica reciente para la artista, se suma a su obra en papel, pintura y textiles, continuando su interés por los procesos largos que requieren espera, y donde se haga evidente la dualidad de una apariencia frágil y la capacidad de protección de un material efímero.

¿Cuál es el lugar de los objetos cotidianos?

¿Cuál es el lugar del cuerpo?

¿Cuál es el lugar de la materia?

Sumergidos en conceptos y sustancias, Priscilla González nos invita a valorar todas esas labores y utensilios de lo mundano, y a preguntarnos si realmente la vida está en lo intangible.

Escultor costarricense. Fiatt ha participado en múltiples exposiciones colectivas y simposios de escultura. Realizó sus estudios en Agronomía, pero aficionado toda su vida a la observación de aves e insectos, por lo que su obra no puede separarse de la naturaleza.

Artista visual costarricense residente en Barcelona, España. Es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona y Máster en Comisariado y Prácticas Culturales en Arte y Nuevos Medios por MECAD\Media Centre d’Art i Disseny de la Escola Superior de Disseny ESDi, Barcelona, España. Desarrolla su obra en pintura y gráfica. Ha realizado exposiciones individuales y ha participado en más de cincuenta muestras colectivas en Alemania, Chile, Costa Rica, Cuba, El Salvador, España, Estados Unidos, Guatemala, Honduras, México y Nicaragua

La obra de Leiva evoca que el ser humano se transmuta a diario, se es familia, amigo, profesional, y amante. Se tiene tantos cuerpos como estados, y tanto carne como espíritu bailan transformándose mutuamente para crear en conjunto lo que llamamos ser. Nos movemos entre alegrías fieles, fantasmas cansados, pasados y futuros; justo como Leiva se mueve entre los pliegues de sus telas. Suerte, destino, casualidad, y determinación nos cambian las pieles que habitamos, así el artista lo refleja en sus obras. En su performance controla las telas y las telas le controlan a él; no por ello deja de ser una danza donde se reconoce como individuo y actor; el hecho de fotografiarse es el acto performático de congelar esos momentos de cambio, aceptando que somos, ante todo: movimiento.

Sergio Rojas Chaves (Venezuela, 1992) es un artista costarricense basado en San José.

A través de esculturas, instalaciones, vídeo, fotografía y performance, Rojas Chaves colabora con socios no humanos —entre ellos, plantas y animales— para cuestionar el antropocentrismo a través del don y el afecto. Sus proyectos han formado parte de exposiciones individuales y colectivas, más recientemente en la Stadtgalerie Bern, el XII Salón ACME en México, la Budapest Galéria, el Macalline Art Center de Pekín, el MAI de Riad, el Kunsthaus Baselland, el CAN de Neuchâtel, el MAFA de Arad (Rumanía), el MADC de San José, el MAC de Panamá, la Fundación Paiz de Guatemala, TEOR/ética de San José y la_cápsula de Zúrich, entre otros. Su obra también ha formado parte de la VIII Bienal de Gherdeina, la X Bienal Centroamericana y la IX Bienal Inquieta Imagen, así como del Reunion Performance Festival en Freetown (Sierra Leona) y en La Tigra (Honduras).

Rojas Chaves cuenta con formación en arquitectura y desarrollo comunitario. Sus esculturas, instalaciones, obras de vídeo, fotografías y performances crean nuevas relaciones y narran nuevas historias sobre animales y plantas, al tiempo que suscitan enfoques afectivos de la biología. A través de esta exploración del papel de los organismos no humanos en la vida cotidiana de las personas, intenta arrojar nueva luz sobre nuestra condición humana, cuestionando nuestra supuesta excepcionalidad y revelando nuestras relaciones interconectadas con el mundo natural. Este interés por la forma en que interactuamos con las plantas y los animales le ha llevado a observar comunidades de observadores de aves o a estudiar las relaciones de las personas con sus plantas de interior mediante una especie de enfoque etnográfico que le permite profundizar en estas relaciones.

La obra de Walterio Iraheta es el resultado reflexivo sobre objetos de la hemenogia cultural y el consumo masivo tanto de imágenes como de objetos. Provenientes de la icónica “cajita feliz” de McDonald’s, los modelos pictóricos de Iraheta son intervenidos físicamente con grafito, convirtiéndolos en pequeñas esculturas acromáticas que luego sirven como referencia directa para sus pinturas.

De esta manera, el acto de acumular objetos, el acto de intervenirlos, el acto de convertirlos en el sujeto de la pintura se convierten en un acto de resistencia ante la iconicidad de las figuras del cine y de la negación de color y la serialización enviste de seriedad y a la vez de la comicidad a las pequeñas figuras de plástico. El trasfondo, Iraheta utiliza la identidad popular que estas figuras crean en la memoria colectiva, valiéndose de la facilidad con que reconocemos a personajes como Jack para luego proyectarlos como modelos de pintura.

El Calendario es el tiempo, la “indiferencia cósmica” que independientemente de lo que suceda en nuestras vidas o en nuestro entorno el tiempo no para, no se detiene, el mundo sigue girando.

Inspirado en los “almanaques” o calendarios que disfrutaba en mi infancia, con estampas de ciudades y sitios con arquitecturas espléndidas, estructuras llenas de luz, de color y hermosos detalles que transportaban mi imaginación a mi entorno, a mis pequeñas ciudades donde transitaba mi vida, en paseos o haciendo mandados en la capital, y en el trayecto disfrutaba admirando las hermosas casonas campesinas, sencillas casas de madera pintadas clásicamente con celeste y rosa, o verde piscina y rosa, con marcos blancos, o de adobe o bahareque con grandes muros, tejas, ventanas de hoja y puertas altas, exquisitas casas de influencia victoriana con detalles magistrales, o modernas casas en los barrios josefinos, o los revestimientos metálicos en las partes altas y húmedas, además en la ciudad, encontraba ladrillo, lata, cemento, madera, hierro, edificios preciosos, casas pintorescas o elegantes y me imaginaba esas arquitecturas bellisimas en los almanaques que daban los comercios en diciembre, eso nunca sucedió.

La fotografía y el laboratorio digital me permitieron crear estas piezas artísticas, esas ciudades imaginarias llenas de ricos detalles recogidos de nuestras casas y edificios antiguos, que intervengo con colores tropicales por medio de acuarelas, làpices de color, acrílicos, tintas y barnices, para ubicarlas en un tiempo y espacio, e ilumino en función al clima del mes. Disfruto lo ecléctico de nuestra arquitectura, que al igual que nuestra etnia es diversa, multicolor y universal, El tiempo, la patina que deja el tiempo en la ciudad, en su arquitectura, en su alma, esas texturas oxidadas y añejas que suben las paredes y se hospedan en las puertas, en las ventanas, esas pequeñas ciudades de la Ciudad que habito y que me permiten recrear un CALENDARIO hermoso, identitario y reflejo de nuestras raíces y nuestro pasado.

Xiavier es un artista que utiliza el hiperrealismo para construir sus obras. Su carrera se enfoca en practicar la pintura académica y la reproducción de imágenes populares. Sin una temática o motivo particular, Xavier se trasladad de un carácter pictórico a otro como un copista de emociones contemporáneas. Hoy día es un sujeto de interés para aquellos interesados en la pintura, la calidad técnica y el realismo.

Ambos trabajos están replanteando la visión de la pintura del ambiente bucólico que,en mi caso al ser oriundo de la ciudad me interesó llevar al campo la expresión que caracteriza mi pintura .

Los Garrapateros: Aquí en Turrialba conocí en físico esa ave negra llamada tijo o garrapatero que acompaña al ganado en algunas épocas del año y me llamó mucho la atención de la presencia mayoritaria de esas aves y no la garza blanca que es más común representar o acompañar las pinturas con el paisaje de potreros con ganado, razón por la cuál mi interés fue enfocarme en esas aves como tema principal en dicho trabajo.

Si Yo fuera un espantapájaros: Un día subiendo por el cementerio de Pavones ví en una finca aledaña un espantapájaros,de inmediato captó mi atención y mil pensamientos surgieron entre ellos uno muy poético que fué “

Si Yo fuera un espantapájaros,las aves no se asustarían”... eso porque me rodeo de muchos animales y cuando me ven lejos de huir se me acercan a ver qué les voy a dar de comer. Entonces construí un espantapájaros con mi ropa y lo utilicé de modelo, agregué el ave Nacional de Costa Rica para darle la personalidad propia de un espantapájaros costarricense .